PASO 1. El Jefe le cuenta un chiste a
la rubia del lado….
(La verdaderas Patrona esta presente y vigilante).
PASO 2. Se pone coquetón y divertido.
PASO 3. Se toma unas auto-fotos de
quinceañeros.
Como no incluye en el grupito a la Patrona, le pide al vecino que se acerque
para disimular
PASO 4: La patrona hace una plegaria del tipo:
“Señor, dame más paciencia para soportar, porque como me des fortaleza… le saco la cresta aquí mismo..!!”
PASO 5. En cuanto la Patrona
comienza a remangarse la manga,
es momento de recuperar la compostura y poner cara de circunstancia, fingiendo
atención y formalismo.
(la rubia se sorprende por su indiferencia con cara de:
“y ahora qué bicho le pico??… no lo puedo creer…”).
Y voilá!... La Patrona le cambio de sitio y él sin
rechistar.
La rubia recurre al consabido disimulo dedicarse al móvil.
Habiendo sentado precedente de quien es la Patrona, por el rabillo del ojo fiscaliza a quien va dirigido el whatsapp….....?
- Arrepentido
haber molestado a la Patrona, con un besito público en la mano, demuestra su
sometimiento al verdadero orden de jerarquía!
MORALEJA:Ya
sabemos quién manda en todo el mundo:
- La esposa!
Me lo manda mi amigo perfecto, en clave de humor!!
El chico tenia 17 años y la chica 15.
La pareja ganó el primer premio en 2012 del Campeonato Nacional de Juniors de Shag de Carolina del Sur. Bailan al compás de "Flip, Flop and Fly" de Joe Turner
Kayla Henley & Jeremy Webb won the 2012 Junior 2 Division at this year's National SHAG Dance Championships. The competition is held over three nights in March. We have DVD's available for each night - Thur., Fri., & Sat. There are six divisions that compete, Jr. I, Jr.II, Non-Pro, Pro, Seniors & Masters. They basically dance there first round on Thur., second-round on Fri. and the Finalists from each division compete on Sat. for the Division Championships and Overall Championship. The DVD's for the individual nights sell for $50 each which includes shipping & handling. We unfortunately do not accept credit cards, but do take checks.
Es un reto que tenía!! Muchas gracias a tod@s.....
Sin ánimo de lucro simplemente es un reto personal, estoy muy agradecido y espero poder seguir en mi linea, con vuestro apoyo.
Mientras crecía unida a mis orígenes, me sentí querida y valorada. Cuando llegó el tiempo de la cosecha yo, al igual que mis hermanas, fui recolectada con cuidado y sometida a un complejo proceso de maduración. Finalmente, con muchas más, entré en un hermoso frasco de vidrio y nos etiquetaron con cuidado: “Pimienta negra en grano”.
Fue entonces cuando me di cuenta de que éramos diferentes. Desayuno, almuerzo y cena, veíamos a los más diversos ingredientes responder a los planes del Gran Cocinero. Si se trataba de hacer espaguetis, ya sabíamos que los tomates estarían invitados junto a la carne picada, aunque también se llevaban muy bien con los ajitos y el aceite. El arroz montaba siempre grandes fiestas con muchos invitados, y las frutas estaban dispuestas a cooperar entre sí para los postres. El Gran Cocinero nos decía que nadie debía imponer su personalidad a los demás, que el secreto de la cocina estaba en combinarse y mezclarse suavemente para formar un gran plato, con su propio estilo y sabor.
¡Pero yo soy un grano de pimienta! ¿Qué culpa tengo yo de este carácter tan fuerte que soy capaz de hacer estornudar hasta al Gran Cocinero! Y sí, es verdad, los demás no quieren formar plato conmigo porque dicen que soy picante, que soy demasiado fuerte, que los opaco… Así que, por mucho que me dijeran en casa que yo era una “especia super especial”, no pude dejar de sufrir la soledad en medio de la alegría de los otros ingredientes.
Pero un día el Gran Cocinero avisó de que tenía que preparar ¡el banquete de bodas de su hijo!. Y en ese banquete, el plato central sería un gran asado de las mejores carnes. Y mientras que la cocina se llenaba de alegría, mi picante corazón se llenaba de ansiedad: ¿sería este el día? ¿tendría el honor de entregar mis esencias en tan gran acontecimiento?
… Poco a poco vi cómo iban llamando a los mejores ingredientes para que ocuparan sus lugares en las bandejas mientras los hornos se calentaban: aceites de oliva, papas tiernas, tomates en dados, aros de cebolla blanca, pimientos verdes y rojos, dulces ciruelas, delicadas almendras, esencias del romero, el tomillo e incluso un poco de albahaca… las posibilidades se acababan y la tristeza aumentaba, cuando, de repente…
¡el ayudante nos sacó del estante y nos llevó ante el Gran Cocinero. Él suavemente, nos depositó en su mano, aspiró los aromas, valoró mentalmente su guiso, y muy suavemente fue dejando una docena de granos de pimienta en cada bandeja para culminar su obra.
¡Fue algo maravilloso! Su aprecio y su confianza al contar conmigo me dio la tranquilidad para estar allí, con otros muchos ingredientes, entregar las esencias que me pedían y dejar que la cocción nos integrara poco a poco en una obra de arte dorada y humeante.
Hasta aquí podría haber sido el testimonio de mis otros amigos. Carnes, contornos, especias y condimentos pasaron suavemente de las bandejas de horno a las de servicio, de allí a los cucharones para desembarcar en los platos donde su sacrificio se volvía sinfonía gastronómica… Sin embargo, la sombra de mi pasado volvió entonces con brutalidad:
¡Nadie me tomó y me comió!
Los camareros nos evitaron con su cucharones mientras iban vaciando las bandejas. Algunas hermanas pimientas que llegaron a los platos fueron cuidadosamente evitadas y destinadas a ser compañeras de los huesos y las hojas de laurel.
Volver a la cocina, cocinada y vacía, fue la experiencia más dolorosa de mi vida.
Fue entonces cuando el Gran Cocinero me tomó en la punta de su dedo y me explicó con cariño:
¡Gracias, granito de pimienta!
Solo tú, con tu personalidad tan fuerte, podías dar un aroma común a todos los demás ingredientes. Gracias por haber dejado tu cáscara aquí y todas tus esencias allí, en el plato principal. Lo que era tu problema, el ser picante y fuerte, fue la solución para conseguir la unidad.
- Así que, pequeña hermana pimienta, si los demás a tu alrededor tardan mucho en apreciar tus aromas…
- si cuando finalmente te piden tu colaboración te cierran el paso al protagonismo…
- si cuando te piden la entrega de tus esencias parece que se desperdician y nadie te valora…
¡No te preocupes, tu aporte no es dar tu grano como comida, sino tu alma como condimento!
(Vitebsk, 1887 - Saint-Paul-de-Vence, 1985) Pintor y diseñador francés de origen ruso, conocido por su inventiva surrealista. Se le reconoce como uno de los pintores y artistas gráficos más relevantes del siglo XX.. Nacido en una pequeña aldea rusa, sus inquietudes artísticas le llevaron a París en 1910, donde alcanzó su madurez artística.
El Calvario...1912
Volvió a Rusia en 1914 y participó activamente en la renovación cultural de su país, pero sus disputas con Malevich y las exigencias revolucionarias de vincular compromiso político y obra artística le llevarían a marchar a Alemania en 1924. Su condición de judío le obligaría después a un peregrinaje por Francia y Estados Unidos, que le devolvería definitivamente a Francia al concluir la Segunda Guerra Mundial.
the-poet-or-half-past-three-1911
Su asimilación de las dos vanguardias señeras, fauvismo y cubismo, es patente en los cuadros que realizó en sus primeros años parisienses. Composiciones como El poeta (1911, Philadelphia Museum of Art) y Homenaje a Apollinaire (1912, Stedelijk van Abben Museum, Eindhoven) son plenamente cubistas, mientras otras, como El padre (1911, Colección privada, París) siguen a rajatabla las consignas fauvistas.
Marc Chagall White Crucifixion
Desde el primer momento, sin embargo, estas influencias formales se funden con el sustrato más profundo de sus propias vivencias personales, profundamente arraigadas en su Vitebsk natal y en el hecho de pertenecer a la comunidad judía. De esta doble condición extrae Chagall su particular repertorio de imágenes, un reducido vocabulario iconográfico al que se mantiene fiel a lo largo de toda su vida. Su pintura es la encarnación de una memoria que funde los recuerdos personales con la imaginería del folclore popular ruso y constituye una unidad indisoluble entre realidad y fantasía, entre la lógica simbólica y la irracionalidad del subconsciente.
La aldea y yo (1911, MOMA, Nueva York)
La aldea y yo (1911, MOMA, Nueva York), realizado apenas un año después de su llegada a París, resulta ejemplar respecto a esa síntesis específicamente chagalliana entre vanguardia y tradición popular, y posee el cromatismo brillante y emancipado de la realidad que aprendió del fauvismo y que será un rasgo dominante en toda su producción. La aparente anarquía de sus imágenes, mezcladas sin una clara lógica espacial y narrativa que justifique las superposiciones, la heterogeneidad de tamaños y la transgresión de las leyes de la física, están sin embargo sujetas a una cuidada composición radial que sigue las enseñanzas del cubismo; éstas se evidencian en el diseño de líneas que articulan las diversas imágenes entre sí y establecen conexiones entre las figuras en primer término y el fondo. Las referencias al mundo campesino en el que pasó su infancia -las casas aldeanas, la ordeñadora, la pareja de labriegos- así como el motivo vegetal en primer término, son algunas de las imágenes que con mayor constancia repitió a lo largo de toda su obra. Todas ellas tienen como referente común el mundo de su niñez y Chagall hace uso de ellas encastándolas con la arbitrariedad del ensueño y la nostalgia.
El cumpleaños (1915, MOMA, Nueva York)
En otras ocasiones, la apariencia ilógica de sus imágenes deriva de la simple transcripción al lenguaje visual de expresiones comunes del lenguaje hablado, que Chagall retoma y visualiza como forma de revelar experiencias psíquicas. Así puede interpretarse el flotar en el aire de la pareja de amantes en cuadros como El cumpleaños (1915, MOMA, Nueva York), pintado poco después de su matrimonio con Bella, su musa durante largos años.
Marc Chagall - sueño de una noche de verano
La idea de "perder la cabeza" se materializa en A Rusia, los asnos y los demás (1911-1912, Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou, París); donde la cabeza separada del tronco no es sino una arbitrariedad explicable, al igual que la vaca roja sobre un tejado o la ingravidez de la mujer, por el placer de crear una fábula visual donde la irrealidad no necesita justificarse.
Autorretrato (1968)
Chagall construye un mundo de asociaciones a través del cual quiere poner de manifiesto el mensaje secreto de las cosas, pero su mirada está más cerca de la ingenuidad infantil, que prescinde de la funcionalidad inmediata de los objetos y de la coherencia lógica, que de la búsqueda de revelaciones concretas. De ahí que rehúse adherirse al movimiento surrealista a pesar de la insistencia y los elogios de Breton. La existencia de imágenes que coexisten fuera de la lógica racional es para él un hecho real y lo acepta como algo consustancial a la vida misma, no como producto de un refinado juego intelectual o un viaje a las profundidades del inconsciente.
MARC CHAGALL - EL PINTOR DE LA ESPERANZA
Frases:
"El primer encuentro"
Dijo de Pablo Picasso,su amigo, protector, maestro y rival: "Es un genio ese Picasso", lástima que no pinte", y este decía de él: "No sé de dónde saca semejantes imágenes. Debe de tener un ángel en la cabeza". Su definición del arte le retrata: "El Arte es, sobre todo, un estado del alma."
Virginia Haggard McNeil, madre de su hijo David nacido en 1946 y pareja del pintor durante siete años, lo describía como un hombre "lleno de contradicciones: generoso y cauto, ingenuo y astuto, explosivo y reservado, bromista y melancólico, frágil y fuerte". Biografía de: Biografías y vida
Apenas ayer escribía sobre la necesidad de hablar de mi entre estas hojas sueltas del cuaderno olvidado. Hoy me da la oportunidad un candil que brilla entre las demás luces que me acompañan. Quizás sea por su humildad o, tal vez, porque el aceite que prende en su interior nunca deja de fluir. Blas de Otero me empuja a escribir, llega calladamente a mis manos este poema suyo:
Dentro de poco moriré. El zafarrancho de mi vida toca a su fin. El alma está partida, y el cuerpo a punto de partir. Lo sé.
Amé la vida, sin embargo. Bien sabes tú que la amé mucho. Aunque me expulsen de la vida, lucho aún. Ancho el amor y el dolor largo.
Veo los ríos, me conmueven. Contemplo un árbol, quedo absorto. El mar inmenso me parece corto de luces frente a muertos que se mueven.
He caminado junto al hombre. Participé sus arduas luchas. Muchos han sido los fracasos; muchas más las conquistas que no tienen nombre.
Dentro de poco moriré. Aqui esta todo mi equipaje. Cuatro libros, dos lápices, un traje y un ayer hecho polvo que aventé.
Esto fue todo. No me quejo. Sé que he vivido intensamente. (Demasiado intensamente.) Enfrente está el futuro: es todo lo que os dejo.
(“Penúltima palabra” del poemario “Hojas de Madrid con La galerna”)
Estos versos forman parte del legado inédito deBlas de Oteroa su muerte. Han esperado treinta años desde su desaparición para ver la luz. Su último amor,Sabina de la Cruz, ha sido la editora y por fin, en el 2010 ha sido publicado. Escribía el autor a Sabina: “Cuando yo muera, tú te sentarás a la mesa con el pelo entrecano releerás mis papeles, mis cuadernos, mis desdichas”. Y Sabina cumplió las palabras deBlas de Otero.
Yo creo que todos quisiéramos dejar palabras como estas escritas en tinta indeleble en nuestras vidas, conmover el corazón de los demás con ellas y sentir que hemos vivido demasiado intensamente.
Mediada mi vida (siendo sinceros seguramente traspasado ese umbral de la mitad, el tabaco y el estrés no ayudan a alargar los años por vivir) reflexiono sobre ella. No sé si he vivido intensamente, sólo puedo decir que nunca dejé pasar una oportunidad, y si así ocurrió, es que no era “mi oportunidad”.
He conocido los pozos negros que siempre tienen salida y los amaneceres brillantes que están cercados de sombras. He caído mil veces y mil una me he levantado para empezar de nuevo, he bebido las doscientas copas del dolor y las cuatrocientas de la dicha (siempre puedo contar más alegrías que penas). Y lo mejor de cuando miro atrás es saber cuanto queda por delante, saber que el camino aún me aguarda con otras mil aventuras y desventuras, que aún me quedan muchas copas que beber en esta borrachera que es vivir.
Y tampoco sé la razón pero en esta mañana de frío de enero, esos días en que menos apetece abrir las ventanas para que no escape el calor de la casa, me he levantado y he corrido los postigos de mis ventanas, la luz ha entrado levantando la oscuridad de los rincones y cuando el sol se reflejaba nítido en las paredes, he abierto de par en par las ventanas dejando que el soplo fresco del aire de este invierno borrara todo el polvo acumulado en los muebles. Y he sentido la necesidad de contarlo…
Típico de centroeuropa, el Estornino Pinto esta colonizando todo el norte de la península, y sus efectivos ya superan en la actualidad (2005) el millón de parejas. Es uno de los pájaros más conocidos e impopulares, pues en invierno inmensos bandos de esta especie alcanzan nuestras tierras desde Europa alimentándose principalmente de granos y aceitunas, con el consiguiente perjuicio para las cosechas.
Al atardecer, tras su jornada de alimentación, las partidas de estorninos se dirigen por trayectos más o menos constantes al dormidero, establecido año tras año en los mismos carrizales y arboledas, en donde pueden reunirse varios millares.
A finales de invierno, las aves se dirigen al norte para efectuar la reproducción; entonces, la vivacidad del Estornino Pinto sigue siendo inagotable. Su carácter pendenciero origina disputas sin fin. La ocupación de orificios de árboles, donde oculta su nido, es causa de contiendas. Se comprende que una colonia de estorninos no favorezca la vecindad de otras especies. Tras la reproducción, los ruidosos bandos se reagrupan y vagabundean hacia el sur en busca de recursos alimenticios.
Identificación:
Plumaje iridiscente, púrpura, verde y azul, densamente salpicado de blanco o ante en invierno y más marcadamente en la hembra que en el macho; andadura espasmódica, vuelo rápido y recto, a veces alternando con planeos.
Nidificación:
Generalmente cría en colonias poco densas. El macho construye un nido poco cuidado, con hierbas secas y pajas, en oquedades de árboles, acantilados o edificios; la hembra reviste el nido con plumas o musgo y pone, de abril a mayo, de 5 a 7 huevos azul pálido; incubación, 13 días, por ambos padres, que también alimentan a los pollos; éstos vuelan en unos 21 días; generalmente dos crías.
Alimentación:
Insectos, lombrices, arañas, caracoles, babosas, frutos, semillas, raíces y bayas. En invierno, granos y aceitunas.
Hábitat:
Especie muy vinculada a ambientes antropizados muy variados, tanto agrícolas como urbanos. Nidifica en cavidades de árboles y edificios. Durante la invernada suele formar importantes dormideros comunales en arboledas de ciudades.
Frecuentemente sucede que al querer comprarnos un objetivo o una cámara réflex con objetivo incorporado se nos plantea el dilema de qué objetivo será el más adecuado para nosotros.
- Si este es tu caso hoy te he preparado un pequeño gráfico en el sabrás el tipo de objetivo que necesitas en función del tipo de fotografía que te gusta hacer. Espero que te ayude a tomar una decisión acertada.
Pintor, escultor y grabador sueco, nacido en Mora el 18 de febrero de 1860 y muerto en su ciudad natal el 22 de agosto de 1920. Es reconocido internacionalmente como el pintor más famoso de nacionalidad sueca. Debe su celebridad especialmente a sus retratos, tanto de la alta sociedad parisina de la segunda mitad de XIX, como de la familia real sueca o de varios presidentes de los Estados Unidos de América. También son destacables sus célebres desnudos realizados en Suecia y su obra gráfica, donde demostró una gran capacidad, en especial los grabados ejecutados con una técnica suelta que demuestra su gran manejo del dibujo.
En el dormitorio. Anders Zorn [Public domain], via Wikimedia Commons
Mujer en el barco. Anders Zorn [Public domain], via Wikimedia Commons
Era hijo natural de Grudd Anna Andersdotter y Leonhard Zorn; no llegó a conocer a su padre, que falleció en Helsinki en 1872. Criado por sus abuelos en Mora, inició sus estudios en 1872, en la escuela de Enköping. A los quince años, en 1875, se matriculó en la Real Academia de Arte de Estocolmo, estudios que finalizó brillantemente en 1880. Ese mismo año presentó en la Exposición de Estudiantes, Mañana (1880, Museo Nacional, Estocolmo), obra que le abrió las puertas de los círculos artísticos suecos. Inmediatamente se multiplicaron los encargos; especialmente se especializó en el retrato, sobre todo de niños. Ese mismo año conoció a Emma Zorn, hija de una acaudalada familia con influencia en los círculos artísticos y culturales suecos, con la que contrajo matrimonio en otoño de 1885. Entre ambas fechas, Zorn viajó por el Reino Unido y por España, en esta última se interesó particularmente por la pintura de Velázquez y empezó a experimentar con los efectos lumínicos sobre el agua, una de las constantes de su obra futura. Durante el invierno de 1887, Anders y Emma realizaron un viaje de trascendental importancia para la obra del pintor sueco.
Anders Zorn - Portrait de Mme Ashley.... [Public domain], via Wikimedia Commons
Este año y el siguiente permanecieron en St. Ives (Francia), y Anders presentó al Salón de 1888, Un pescador de St. Ives, obra adquirida por el estado francés, lo que hizo que el matrimonio Zorn se estableciera en la capital francesa durante ocho años, aunque no perdieron el contacto con su Suecia natal, donde pasaban todos los veranos. En la Feria Universal de 1889, Zorn consolidó su figura en el panorama artístico internacional; ese mismo año es nombrado caballero de la Legión de Honor francesa y es invitado a presentar su autorretrato en la Galería de los Uffizi en Florencia. Es precisamente este género, el de los retratos, el que marcó definitivamente hasta 1896 su etapa parisina. Su experiencia en el retrato le sirvió para ser aceptado por las principales personalidades de la vida cultural del París de la primera mitad del XIX; destacan sus retratos de Antonin Proust (1888, colección privada) o el de Coquelin Cadet (1889, Museo Nacional, Estocolmo). En ellos, Zorn demuestra su capacidad para representar la psicología de sus personajes, en la que el estudio de la obra de su admirado Velázquez dejó su impronta. Con motivo de la Exposición Internacional de Columbia (1893), Zorn, a la sazón elegido superintendente de la delegación suiza en la exposición, realizó el primero de varios viajes a los Estados Unidos.
Estos viajes también le permitieron mostrar sus cualidades como pintor de retratos, y contar entre sus modelos con personalidades: Grover Cleveland y su esposa (1899, Galería Nacional de Retratos, Washington), William Taft (1911, Casa Blanca, Washington) o Theodore Rooselvet, grabado realizado en 1905. Zorn viajó a los Estados Unidos de América en cinco ocasiones, la primera la ya citada de 1896 y el resto en los años 1898, 1900, 1903 y 1907. Por ello su obra está bien representada en las colecciones públicas estadounidenses, como los museos de San Luis o de Chicago. En 1896 Anders y su esposa Emma regresaron a su ciudad natal de Mora, en cuya vida pública se implicaron profundamente ambos cónyuges. Emma se dedicó a la promoción de la lectura y su marido mostró su preocupación por la conservación del folklore musical sueco, en consonancia con las consignas del naturalismo, punto de referencia de su práctica plástica. Tras su definitivo establecimiento en Suecia, la obra de Zorn abarcó los temas de carácter popular, las escenas costumbristas que reflejan el carácter del pueblo sueco, también puso sus dotes de retratista al servicio de la familia real sueca, a varios de cuyos miembros retrató, (Reina Sofía, 1909, Waldemarsudde, Estocolmo).
Si la obra al óleo de Zorn se caracterizó por la puesta en práctica de un naturalismo próximo al Impresionismo, pero sin llegar a adquirir la libertad formal que caracterizó a éste, su obra como grabador se resuelve en trazos sueltos, donde el sueco nos desveló sus cualidades de dibujante. Nos ha legado un total de 289 grabados, en los que la influencia de adquiere el mismo relieve que la de Velázquez en su práctica del óleo. Entre los retratos de personajes de su época podemos destacar los de Ernest Renan (1892), el del escultor francés Auguste Rodin (1906) y el de su compatriota, el dramaturgo August Strindberg (1910). Realizó asimismo un gran número de acuarelas, especialmente durante sus primeros años de matrimonio, estimulado por Emma, su mujer, que jugó un papel importantísimo a lo largo de su vida. Entre otras, podemos destacar Vacaciones de Verano (1885, colección Zorn) o su acuarela más famosa, Nuestro pan diario (1886, Museo Nacional, Estocolmo). La parte de su obra que más se estima en su país son sus célebres desnudos, serie que inició durante su estancia en Francia, con obras como Outdoors (1888, Museo de Arte Gothenburg) o Las bañistas (1888, colección Zorn). Otra faceta en la que destacó el multidisciplinar artista sueco fue la escultura, de la que nos dejó obras de carácter naturalista en pequeño formato, Baño matutino (1909), y de carácter público, Estatua de Gustav Vasa (1903, Mora).
Chica en el taller... [Public domain], via Wikimedia Commons
Tras su fallecimiento, Emma fundó el Museo Anders Zorn, en 1939; fundación que contiene una muestra representativa de los trabajos del artista sueco en todas sus facetas, desde el grabador al acuarelista, desde el pintor al óleo al escultor. Buena parte de su obra está representada en el Museo Anders Zorn.
La primera impresión es un grabado de 1894, titulado "Mi modelo y mi barco" . La segunda impresión es un grabado de 1890 titulado " El artista en disgusto por las observaciones-pasiva agresiva constantes sobre La neccessity De Estudios Desnudo " .
No, es broma, se llama "Zorn y su esposa" , y por lo que sabemos que no le importaba el interés expresado de Zorn en la representación de los encantos de la sueca vida en el campo en 1890 - de acuerdo a su biografía la grieta entre vino hacia el final de los años 90.
Aún así consiguió su galería contactos y se aseguró de que su museo fue construido después de que él falleció. Zorn es sobre todo conocido por sus retratos, la otra mitad de su obra son los estudios de desnudos.
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